En un ensayo sobre Kenneth Branagh, el guionista Scott Frank recuerda haber conocido al futuro astro y director de su guion Dead Again (1991) y preguntarse “¿por qué querría este hombre dirigir un thriller noir tan peculiar como el mío?” Luego dice: “la respuesta se volvió claramente evidente: Kenneth Branagh quiere hacerlo todo”. Branagh no ha dejado atrás esta compulsión. Una noche en Venecia, su vigésima película como director, se estrena hoy en Australia.
Es su tercera aparición como el detective belga de Agatha Christie, Hércules Poirot; su primera basada en una fuente de Christie que no ha sido adaptada anteriormente para el cine (El Malentendido de Hallowe’en de 1969); y su quinto thriller “peculiar” tras los Poirot, Dead Again y Sleuth (2007).
Es característico en Branagh: experimentar con diferentes géneros, dar un enfoque renovado a materiales conocidos y seguir los pasos de luminarias del teatro y el cine británico.
Durante sus primeras dos décadas en el cine, el trabajo característico de Branagh fue shakesperiano, comenzando con su debut como director en 1989 con Enrique V. En este sentido, siguió los pasos de Laurence Olivier, cuyo debut como director fue su Enrique V en tiempos de guerra (1944), y Orson Welles, otro prodigio shakesperiano. Olivier y Welles crearon cada uno tres películas de Shakespeare. Branagh hasta ahora ha dirigido cinco: Enrique V, Mucho ruido y pocas nueces (1993), Hamlet (1996), Trabajos de amor perdidos (2000) y Como gustéis (2006). Interpretó a Iago en Othello de Oliver Parker (1995), dirigió En El Crudo Invierno (1995) – la historia de una compañía semi-profesional escenificando Hamlet – y protagonizó en la piel del Bardo en All is True (2018). Incluso la autobiografía autoelogiosa de Branagh abre cada capítulo con líneas de Shakespeare.
Además de asociarse con Shakespeare, las elecciones de Branagh cultivaron asociaciones con sus predecesores de teatro y pantalla. Como Olivier, ha interpretado tanto a Enrique V como a Hamlet. Branagh incluso interpretó a Olivier en My Week with Marilyn (2012). Al interpretar a Poirot, Branagh siguió los pasos de luminarias británicas como Albert Finney, Peter Ustinov y David Suchet. Se posiciona junto a luminarias, encajando actores como Derek Jacobi, Paul Scofield, Judi Dench y John Gielgud en sus películas. Como nota Mark Thornton Burnett, director del Archivo Sir Kenneth Branagh, Branagh “utilizó figuras experimentadas de la Royal Shakespeare Company para autenticar su entrada en un ámbito sacrosanto”. Se canonizó a sí mismo en lugar de esperar ser canonizado.
Funcionó. Ahora, como un estadista veterano, recitó a Shakespeare acompañado de Elgar en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 2012 y otorga gravedad a las películas de Christopher Nolan.
A crédito de Branagh, ha parodiado su estatus de joven pretencioso, por ejemplo, en su papel de Gilderoy Lockhart en las películas de Harry Potter. Mientras sus películas shakesperianas colocan a Branagh como un clasicista, su salto entre géneros es ecléctico. Dirigió los thrillers Dead Again y Sleuth, la comedia dramática Los amigos de Peter (1992) y el Frankenstein de Mary Shelley (1994). Mi doctorado, completado en 2009, consideró la auto-construcción de Branagh a través de Shakespeare, sin anticipar que en los subsiguientes 13 años dirigiría películas tan dispares como Thor de Marvel (2011), la película de acción de Tom Clancy Jack Ryan: Operación Sombra (2014), la Cenicienta de Disney (2015), la íntima All is True, la fantasía infantil Artemis Fowl (2020), su trilogía de Poirot y la autobiográfica Belfast (2021).
Desde una perspectiva cínica, Branagh ha hecho concesiones al cine comercial. Alternativamente, como sugirió Frank, Branagh realmente “quiere hacerlo todo”. Branagh saltó entre géneros incluso dentro de sus filmes shakesperianos. Su dramática entrada en la sombra en Enrique V evoca a Darth Vader; su llegada a caballo en Mucho ruido y pocas nueces convoca a Los siete magníficos (2016); los números musicales en Trabajos de amor perdidos hacen eco de los clásicos musicales de Hollywood.
Hamlet, en particular, invita a la asociación con las épicas de Hollywood. Con 242 minutos, fue el estreno comercial más largo desde Cleopatra en 1963, la primera producción británica en 70mm desde La hija de Ryan en 1970, y filmada por Alex Thomson, el enfocador de Lawrence de Arabia.
La ambientación palacial y invernal de la película recuerda a Doctor Zhivago, así como lo hace el casting de Julie Christie como Gertrudis. El casting de Charlton Heston evoca sus populares épicas bíblicas. Colocar el soliloquio “Cómo todos los sucesos” de Hamlet antes de la intermisión refleja el famoso discurso de intermisión de Lo que el viento se llevó. La puesta en escena del monólogo “Ser o no ser” de Hamlet incluso sugiere Taxi Driver, donde el antihéroe Travis Bickle igualmente fantasea con cursos de acción peligrosos frente a un espejo. Mientras la producción shakesperiana de Branagh lo vincula a la alta cultura, sus incursiones en otros géneros y homenajes a películas clásicas lo muestran como un conocedor de la cultura pop.
Branagh es un maximalista cuyos predecesores son, en algunos aspectos, Ken Russell y Richard Lester: directores con relaciones idiosincráticas e irreverentes con el cine patrimonial británico que no temieron tomar riesgos creativos. Al igual que Branagh, Russell abordó el canon con sentido del humor (D.H. Lawrence, Elgar, Mahler, Liszt, Tchaikovsky, Byron y los Shelleys), pero mucho más subversivo. Al igual que Branagh, Lester fue un cineasta energético y vivaz que incursionó en las películas de superhéroes de Hollywood (Superman II y III) y en la literatura clásica popular (sus filmes de los Mosqueteros y Robin y Marian), pero mucho más contracultural. Joe Wright es quizás el contemporáneo y sucesor de Branagh. Él también tiene una predilección por los largos planos secuencia (ver la secuencia de Dunkerque en Expiación y la marcha post-Agincourt de Enrique V); ofrece interpretaciones frescas y terrenales de obras canónicas (Orgullo y prejuicio); no teme a los géneros (Hanna), los enfoques posmodernos (Anna Karenina) o hacer el ridículo (Pan).
Branagh es, en última instancia, una figura importante que atraviesa medios, roles, géneros y gustos. Aunque varían enormemente en calidad – los puntajes de Rotten Tomatoes para sus largometrajes como director oscilan entre el 8% para Artemis Fowl y el 98% para Enrique V – su obra muestra un notable despliegue de géneros y escalas de producción, aparentemente escondido a plena vista.